Les 1231 critiques de Thierry Bellefroid sur Bd Paradisio...

« Le destin de Jane », tome 2 de « Fog » par Bonin et Seiter. Chez Casterman.

Un dessin qui ne manque ni de personnalité ni de qualités, un scénario qui tient parfaitement la route sans céder à la facilité, des personnages intéressants, bien ancrés dans leur époque et leur place au sein de la société. Fog est une de ces BD qui sans être un chef d'oeuvre (mais il y en a si peu ! ) nous laisse sur un sentiment de bonheur au moment de fermer la dernière page. Rien à dire, ce deuxième album vient confirmer tout le bien qu'on pensait à la lecture du premier. Il est même meilleur, à bien des points de vue. Délaissant le côté fantastique du début de l'histoire, Roger Seiter distille ses réponses avec parcimonie, au point que si tout semble plus ou moins s'éclairer vers le milieu de l'histoire, le vrai coupable, lui, reste dans l'ombre jusqu'à la dernière minute. Quant au dessin de Cyril Bonin, apparemment très ressemblant à celui du précédent album, il évolue davantage qu'il n'y paraît. C'est vrai que les couleurs ont l'air de se ressembler. Mais à y regarder de plus près, le blanc, très présent dans « Le tumulus », a disparu au profit de toute une gamme de couleurs beaucoup plus nuancées allant du jaune au rose. Quant aux aplats noirs, ils sont radicalement opposés à ceux du premier album. Ici, Cyril Bonin utilise l'eau tant qu'il le peut, diluant la couleur à l'extrême, ce qui nous donne cette très belle matière un peu floue dans les noirs des tissus, des murs ou des coques de bateaux. Avec un graphisme très personnel qui allie la clarté au sens du détail, Bonin réalise ici une très belle alchimie qui convient à merveille aux ambiances policières londoniennes développées par son scénariste. Scénariste qui a eu la bonne idée de ne pas tirer son récit en longueur plus qu'il ne le fallait. Deux tomes, c'était juste assez pour développer personnages et intrigue tout en gardant un rythme efficace et attrayant.

« Lazarr », par Patrice et Manu Larcenet. Dans la collection Poisson-Pilote des éditions Dargaud.

Les frères Larcenet frappent fort avec cette version du purgatoire entre humour noir et onirisme acerbe. Ce Lazarr fourmille de bonnes idées. La principale est d'avoir imaginé quel bordel pouvait mettre dans ce purgatoire un type qui y arriverait avec « le Graal Noir » (un revolver, en fait) le seul objet convoité par tous car il peut tuer les morts (sic). Mais il y a bien d'autres trouvailles dans ce délire « à la Trondheim ». Le greu -l'oiseau qui a le pouvoir de provoquer des visions-, le canard communiste commis aux rondes, et bien sûr, les deux héros, la brute épaisse du Ku-Klux-Klan -le shérif qui a baptisé son flingue Lee Harvey- et le « négro » -Bird-, condamnés à rester chevillés l'un à l'autre durant tout leur séjour au purgatoire. Quant aux dialogues, ils sont franchement excellents et nous réservent quelques très beaux échanges du genre :
-Comme disait je sais plus qui, « un bon négro est un négro mort »
-C'était Custer... et il parlait d'indiens.
-...La différence est minime.
-Ca dépend de quel côté du canon on se trouve.

Ou encore, cette scène dans les toilettes où le shérif Metzger découvre Bird, juste sous le panneau « White only » :
-Dis-moi, Bird... tu sais pas lire ?
-Bin... pas très bien. C'est sans doute dû au fait que l'école aussi était réservée aux Blancs.

Bref, des idées et de bons dialogues. Sans compter un dessin agréable. Seul problème, Lazarr part un peu dans tous les sens. Peut-être les frères Larcenet avaient-ils assez de matière pour des albums différents. En tout cas, l'ensemble aurait gagné à être plus resserré, moins décousu. Trop d'idées tue l'idée, quoi. Le problème étant le décalage entre un début très humoristico-absurde et une fin très moralisatrice et premier degré (la page 45 tombe carrément comme un cheveu dans la soupe) Quoi qu'il en soit, la lecture de cet album reste recommandée, et elle prouve la bonne tenue de cette nouvelle collection.

« Le télescope de Charon », tome deux de « Monsieur Mardi-Gras Descendres, par Eric Liberge, chez Pointe Noire.

C'était le risque. Le superbe univers créé par Eric Liberge ne tient pas la distance au bout du deuxième album. Trop compliqué à suivre, trop de ressemblances entre les personnages (c'est forcé quand on ne travaille que sur des squelettes, mais dans le premier album on arrivait encore à savoir qui était qui en suivant une action beaucoup moins complexe) et trop alambiqué, il essouffle lecteur. Pourtant, cet univers de purgatoire sidéral formé de squelettes vieillissants avait tout pour plaire, ne fût-ce que l'incroyable habileté du dessinateur à croquer des carcasses entassées sur des terres désolées et à leur donner vie. J'y ai cru. Et j'ai apprécié le travail du jury du prix Goscinny qui avait eu le flair d'aller dénicher cette pure merveille pour la faire connaître au grand public. Je ne dirai pas que ce deuxième album est mauvais, loin de là. Il n'était tout simplement pas nécessaire. Qu'apporte-t-il de plus qu'une suite peu enthousiasmante où une chatte perdrait ses petits ? Dommage. Eric Liberge a un talent certain, et pas seulement comme dessinateur. Mais il gagnerait à ne pas s'attarder au-delà du troisième et nécessaire dernier album dans cet univers dont il a fait le tour. Un univers avec lequel je vous engage à faire connaissance, si ce n'est déjà fait, en lisant l'excellent premier tome. C'est poétique, intelligent, plein d'idées, drôle et caustique, visuellement splendide. Celui-là, c'est sûr, vous ne regretterez pas de l'avoir lu. Et avec un peu de chance, vous adorerez le deuxième et me traiterez de « vieux con intégriste ». C'est tout ce que je vous souhaite !

« Douce violence », tome 2 de la série Emma de Christian de Metter, chez Triskel.

Il y a quelque temps, j'avais laissé transparaître mon enthousiasme dans cette rubrique en y « parlant » du premier tome d'Emma. Découvrant la suite en librairie, la semaine dernière, je n'ai pas pu résister au dessin de couverture qui a lui seul est une très grande réussite. J'ai immédiatement acheté puis dévoré cette deuxième et avant-dernière partie. Le graphisme de Christian De Metter -dont un album est en prévision aux Humanos, m'a dit le même gentil libraire- est toujours aussi saisissant. Je dirais même qu'il l'est d'autant plus qu'on avance dans l'histoire. Car la seconde partie de ce deuxième album, toute entière dédiée au personnage d'Emma, est l'occasion de compositions magnifiques. A la fois effrontée, sauvage et par moments mystérieuse ou délicieusement nature, Emma est ce genre d'héroïnes dont on ne peut que tomber plus ou moins amoureux. Elle passe avec une incroyable grâce de la candeur à la gravité et de la sensualité à la langueur... ou au sommeil innocent !
L'histoire racontée par Christian De Metter reste accessoire : notre héros, Alex, est toujours amnésique et continue de peindre intuitivement. Les problèmes avec sa logeuse et la rencontre d'un possible mentor ne viennent que le détourner d'une retraite volontaire dans laquelle Emma va venir prendre toute la place. Mais les ambiances, le travail sur les lumières (ou, parfois, sur l'absence de lumière), les expressions des visages et la palette de couleurs sont autant de moments de pur bonheur. Contrairement à beaucoup d'autres, De Metter a par ailleurs réussi le délicat exercice d'introduire dans son histoire un faciès existant, celui de Gainsbourg. Réussi pour deux raisons. La première, un travail de peintre qui rend presque « Lucien-Serge » plus vrai que nature. Saisissant. C'est vraiment lui, pas une caricature. Ensuite, une utilisation parfaitement habile et appropriée de Gainsbourg dans le scénario (même si l'histoire se passe en 1922 !) qui crédibilise ce visage pourtant si connu et si typé. Une belle réussite. On attend le tome trois avec impatience.

« Studio » par François Avril, paru aux éditions Le Neuvième Monde.

L'air de rien, François Avril est dans la course depuis un bail. Et ses influences remontent plus loin encore. Avec Chaland, Dupuy, Berberian, Götting (tous de purs esthètes, comme lui) mais aussi Stanislas et Jean-Christophe Menu, il émerge au milieu des années 80. L'un de ses premiers albums est d'ailleurs scénarisé par Charles Berberian. Il faut dire que ces auteurs ont tout pour se rencontrer. Outre leur graphisme qui privilégie l'économie de moyens, ils sont tous attirés par l'illustration dans ce qu'elle peut apporter de mieux à la BD. Un de leurs maîtres, une des principales influences de François Avril, en tout cas, est Ever Meulen, un Belge aujourd'hui âgé d'un peu plus de cinquante ans dont les BD publiées dans les années 70 et 80 font autorité autant que les travaux d'illustration ou de publicité qu'il réalise dès les années soixante. (pour les amateurs, une expo consacrée à Ever Meulen pourrait bien avoir lieu dans une librairie bruxelloise dans les mois à venir...)

Avril est donc, à l'instar de Chaland, un adepte de ce qu'on pourrait davantage appeler « la ligne pure » que la ligne claire. Pour s'en convaincre : un petit détour par l'expo organisée en ce moment par la librairie Sans-Titre à Bruxelles... ou, pour ceux qui n'habitent pas précisément dans la région, l'achat de ce petit opuscule en noir et blanc. Peu d'artistes peuvent se permettre de nous offrir un peu plus de quarante nus aussi élégants et envoûtants que ceux d'Avril. Sur chaque page de droite, une femme sans visage pose, parfois de manière très provocante, dans le « studio » de François Avril. Sur chaque page de gauche, un prénom. Pas d'histoire, donc, pas de texte non plus. Quand le dessin arrive à ce stade de beauté et quand la maîtrise du gris se fait aussi parfaite, on a pas besoin d'en savoir plus. « Studio » est un petit livre d'images, mais celui d'un grand artiste. On le voudrait plus prolifique, mais contentons-nous de ce qu'il nous donne...

Ceux qui voudraient fouiller l'aspect plus BD de ce dessinateur tenteront de se procurer « Soirs de Paris », un très bel album paru en 89 aux Humanos (sur scénario de Philippe Petit-Roulet) dont quelques exemplaires traînent encore chez les bons libraires.

« L'apaisement », tome 3 du Journal de mon père, par Jiro Taniguchi. Chez Casterman.

On l'a déjà dit et redit, alors, enfonçons le clou une dernière fois : « Le journal de mon père » n'est pas un manga. Enfin, pas dans son contenu. Apparemment, Casterman voulait être sûr d'éviter la confusion puisque l'éditeur a choisi de publier cette oeuvre en trois fois et en grand format, comme elle fait pour ses BD classiques, et non dans la collection « Manga Casterman » dans laquelle on trouve notamment « L'autoroute du soleil » de Baru. Choix commercial, sans doute, éditorial peut-être. Car le grand public, souvent peu amateur de mangas, peut lire les trois volumes de cette bouleversante histoire familiale sans risque de se trouver face à un récit manichéen, violent et carré. Le journal de mon père est une histoire toute en finesse, en émotions, en profondeur. Jiro Taniguchi poursuit dans ce troisième tome l'évocation des souvenirs de son narrateur, Yoichi Yamashita, revenu dans sa ville natale pour la veillée funèbre et l'inhumation de son père après avoir coupé les ponts avec sa famille pendant de nombreuses années. L'oncle et la soeur de Yoichi sont là pour combler les trous de sa mémoire et surtout pour lui brosser un portrait inédit de celui qu'il n'a jamais voulu connaître vraiment, le père aujourd'hui disparu. (si vous voulez savoir pour quelle raison le père et le fils se sont ratés, lisez le tome deux, c'est la clé de l'ensemble). Ce troisième et dernier volet est plus introspectif que les précédents. Je serais tenté de dire plus japonais, aussi. On sent que le sens de la faute et le remords dû à l'ingratitude que Yoichi a opposée à la générosité de son père pèsent lourd, très lourd, dans ces 85 dernières planches. A tel point que le « mea culpa » auquel se livre le narrateur devient parfois pesant et surtout très répétitif. Mais il reste un tas d'anecdotes, de moments magiques, les années de jeunesse et la sincérité de l'auteur. Il reste aussi cette délicatesse, cette pudeur et toute la sensibilité que la BD japonaise préfère généralement ignorer. Pour tout cela -et pour connaître enfin la fin du long cheminement intérieur entamé par le narrateur à son arrivée à Tottori au début du premier tome-, cela vaut la peine de lire ce dernier tome, le plus grave des trois sans doute.

« Devoirs de vacances », tome 7 de la série Rubine, par Walthéry, Lazare et Mythic. Au Lombard.

La fliquette de choc créée par Walthéry met une robe, de jolis escarpins à talons et remonte ses cheveux façon chignon négligé. Ca surprend. C'est pas par hasard. Mythic a eu l'idée de la renvoyer à la maison, chez Papa-Maman, dans le Sud. Un bled paumé qui ne vit qu'à travers un procès apparemment banal intenté par des veuves de fumeurs à un cigarettier. Ca sent les coupures de journaux patiemment mises de côté par le scénariste d'Alpha qui avoue son amour immodéré pour l'info, où il puise la matière de nombreux scénarios. Mais qu'importe. Personne n'a dit qu'un bon scénario devait tomber du ciel. Ce qui m'a plu, en revanche, c'est cette volonté de surprendre (enfin ?) le lecteur. Evidemment, il y a des références un peu faciles à Soda (ne dites pas à maman que je suis flic, elle ferait une attaque !) mais cette plongée dans le Sud profond permet à Rubine de jouer le rôle le plus intéressant de sa carrière de papier. L'histoire rappelle évidemment elle aussi un rien trop le film où une Demi Moore terrorisée devait faire changer le verdict d'un jury pour sauver sa peau et celle des siens, mais bon, admettons qu'il s'agisse d'une réminiscence inconsciente et que cette histoire de kidnapping d'enfants de jurés pour obtenir une subornation générale n'est pas si mauvaise, placée dans le contexte américain. L'humour est mieux dosé que dans les précédents albums. Quant au dessin, il est pareil à lui-même et ne vaudra jamais celui d'un bon Natacha. Boyan force un peu trop sur les couleurs et certains visages radicalement éloignés de la « ligne Walthéry » tombent comme un cheveu dans la soupe. C'est même là qu'on trouve le plus d'incohérences. En y regardant de plus près, on trouve des personnages qui ont l'air de sortir d'un film français (le cigarettier qui a une gueule à la Jean Yanne en moins rond), d'autres d'un film américain, d'autres encore d'une BD de Roba (le cousin), d'un Gazzotti ou même d'un vieux Renaud tendance Brelan de Dames... Y a pas que Rubine qui tire dans tous les sens...

« Le sang des anges », tome 1 de la série Moréa, par Scotch Arleston et Thierry Labrosse. Chez Soleil.

Le plus gros vendeur d'albums de l'écurie Soleil a le vent en poupe et semble en état de grâce, alors, pourquoi ne pas en profiter ? Après les univers de Fantasy tournés vers le passé, Arleston nous propose une série futuriste, qui recycle habilement les ingrédients qui marchent ailleurs. En fait, à première vue, Moréa pourrait être le Largo Winch du XXIème siècle... au féminin. Une compagnie méta-nationale, la DWC, tente d'élargir son emprise sur la planète dont le centre économique est Cuba (pourquoi pas ? Il y a des repérages plus désagréables, non ? Quoique... au vu des planches de la Havane dans ce premier album, pas besoin de repérage...) Et voilà-t-y pas que l'aïeul à la tête de la DWC se fait descendre, en même temps que tous les héritiers, qui portent le même nom que lui. Tous ? Non, car Moréa Doloniac échappe au massacre, ce qui lui permet de prendre le contrôle de la société et de devenir le Largo Winch des années 2080. Soyons honnêtes : le scénario ne se résume pas à cette péripétie. Il y aussi les Dragons et les Anges, deux groupes d'immortels qui manipulent l'Histoire terrestre pour qu'elle favorise l'émergence de leur règne dans le futur. Les uns militent en faveur du bien et de l'harmonie. Les autres en faveur du mal et du chaos (du jamais vu...). Moréa est un Dragon, et c'est pour ça qu'elle a échappé au grand complot dirigé contre les héritiers Doloniac : elle est immortelle (mais jusque là, elle n'était pas au courant, la nature est mal faite !). Voilà en quelques lignes la substantifique moelle de cette nouvelle BD dont le dessin rappelle furieusement celui d'Adamov, mais comme tout me fait penser à autre chose quand je la lis, c'est sûrement de la mauvaise foi. Allez, ne boudons pas notre plaisir : Arleston est un pro et Moréa se laisse lire. On attend quand même la suite avec un brin de méfiance.

« Les ogres », une aventure de Hiram Lowatt et Placido, par David B et Christophe Blain. Dans la collection « Poisson Pilote » des éditions Dargaud.

Faut-il rappeler que c'est avec l'excellent « La révolte d'Hop-Frog » que nous sont arrivés Hiram Lowatt et son fidèle ami indien Placido ? L'album avait fait grand bruit, tant par l'originalité de son propos que par sa qualité graphique. Depuis, les deux auteurs ont fait un bout de chemin. David B a assis une notoriété déjà appréciable, grâce à ses travaux à L'Association mais aussi -et peut-être surtout- plus récemment, grâce au « Capitaine Ecarlate » paru dans la collection Aire Libre des éditions Dupuis (voir « coup de coeur » sur ce site). Quant à Christophe Blain, c'est également chez Dupuis et dans la collection Aire Libre qu'il a pu faire connaître et reconnaître son talent ; succès d'estime et Alph'Art Coup de Coeur à Angoulême pour son « Réducteur de vitesse ». En créant sa nouvelle collection très marquée « Asso », Dargaud ne pouvait donc pas passer à côté de ces deux-là. D'où la réédition d 'Hop-Frog au « format » Poisson Pilote avant ce nouvel opus qui est une suite sans l'être.
Avant de plonger dans « Les ogres », j'ai relu Hop-Frog. J'y ai retrouvé ce plaisir de lire une histoire hors des sentiers battus, aux références littéraires omniprésentes mais en même temps totalement déridée, sainement folle. Cette richesse, cette finesse, peut-être, est absente du nouvel album. Beaucoup plus conventionnel, plus attendu, il ne surprendra guère le lecteur habitué aux univers de David B ou de Sfar. Sfar dont le dessin semble par ailleurs avoir déteint sur cet album. Après les pastels qui avaient donné à Hop-Frog cette apparence si colorée et ces contours volontairement flous, voici que le dessin se noircit, mettant la plume en avant et forçant les hachures pour donner de la matière. On est à deux doigts d'un « Professeur Bell ». Etrange, même si on n'attend pas de créateurs comme David B et Christophe Blain qu'ils reproduisent les mêmes recettes d'un album à l'autre.
Révélateur de la différence qui existe entre les deux albums, le titre du premier (« La révolte d'Hop-Frog ») laisse l'imagination vagabonder alors que celui du second (« Les ogres »), réduit la marge de manoeuvre. Je n'imagine ni David B ni Christophe Blain exécuter des travaux de commande, ou faire de l'alimentaire. « Les ogres » est un album suffisamment bon pour le placer au-dessus de ce genre de débat. Je suis juste resté un peu sur ma faim. Après tant de temps et forts de leurs travaux ailleurs, ils pouvaient sans doute faire mieux. Mais les aventures d'Hiram Lowatt et Placido ne sont pas finies. Leurs deux créateurs ont suffisamment de talent pour nous surprendre au moment où on les attendra le moins.

« La voie du guerrier », tome 2 de la série « Black Hills » par Yves Swolfs et Marc-Renier, chez Glénat.

J’avais été si déçu par le premier album de la série que je ne pouvais presque qu’être favorablement étonné. Je dirai que je me suis moins ennuyé à la lecture de ce second tome. De là à dire que je suis réconcilié avec cette série, il y a un pas que je me garderai bien de franchir. Il n’y a toujours pas un élément qu’on n’ait déjà vu ailleurs dans ce nouvel opus. Mais le recyclage m’a paru moins lourd qu’au premier essai, ce qui rend cette « voie du guerrier » un rien plus digeste. Les couleurs continuent de constituer la seule originalité du projet, même si elles sont gâchées de manière toujours aussi maladroite par des « paw paw » en rouge sang lors de chaque fusillade. Les chevaux semblent ne jamais avoir connu le galop, ils sont lourds, pansus, pas racés pour un sou.
Quant aux humains, ils paraissent tous figés sur une vieille gravure du siècle dernier. Le dessin de Marc-Renier est sclérosé, statique, vieillot, mort pour résumer. Est-ce dans l’espoir de le cacher qu’il maltraite sa mise en page et nous sert des cases imbriquées les unes dans les autres de manière exagérément alambiquée ? Un joli cadre n’a jamais fait une belle photo.. Tout ça manque de vigueur, de mouvement et d’un brin d’originalité. Faut-il vraiment en dire plus ?

« La dernière rencontre », tome 4 des 4X4, la série de Pierre Christin et Philippe Aymond. Chez Dargaud.

Ca ne s'arrange pas chez les « 4X4 ». Après trois titres médiocres, Christin persévère dans cet ersatz de « 4As » version ados modernes pour public pré-pubère. Pour tout vous dire, cette bande de copains des quatre coins du monde qui se sont « trouvés » et qui depuis se tirent des pires pièges les uns les autres, moi, je n'y ai jamais cru l'ombre d'une seconde. Tout est trop facile. Leur rencontre, bien sûr. Mais aussi leurs histoires, bien gentiment calquées sur l'Histoire par un Christin appliqué -mais pas inspiré. La maffia russe, mise à toutes les sauces de Alpha à Vlad, repointe ici son nez avec son cortège de violents sanguinaires (et parfois demeurés) sans scrupules. Ca tire dans tous les coins le long de la Riviera. Ce qui n'empêche bien sûr nullement trois des quatre larrons de voler au secours du quatrième, en passant entre les balles. La crédibilité n'est pas le souci principal de cette série, en dépit de références à l'actualité et de quelques mots écrits en russe dans les phylactères. Tout le monde joue bien gentiment son rôle et le grand Christin (dont je n'oublie pas qu'il a écrit « Partie de Chasse » et quelques autres des meilleures BD des années 80, sans parler des Valérian de la grande époque) s'applique à montrer qu'il est un homme moderne en glissant où il le faut des références aux nouvelles technologies de l'information. Mais ses petits jeunes sont désincarnés, trop intelligents, trop intrépides ou trop prévisibles dans leur anormalité. On ne les suit que par paresse. Sans compter que la fin bâcle en cinq pages ce qui aurait pu constituer la matière première d'une autre histoire. Christin semble être arrivé à un point où le fait d'avoir beaucoup voyagé et beaucoup lu remplace dans ses scénarios la nécessaire part d'imagination qu'ils devraient renfermer. Comme le dessin d'Aymond est gentil sans plus, rien ne distingue ce produit d'un Kleenex version BD ; vite lu, vite jeté.

« Une exposition imaginaire, Le catalogue ». Dans la collection Aire Libre des éditions Dupuis.

Que dire de ce catalogue imaginaire sinon qu'il vous donnera sans doute envie, comme il me l'a donnée, de relire l'ensemble des titres de cette prestigieuse collection. L'air de rien, « Le voyage en Italie », l'un des meilleurs Cosey parus à ce jour, allait provoquer une petite révolution chez Dupuis. Créé pour lui, le nouveau label qui allait très vite s'enorgueillir d'un deuxième titre de grande envergure (« SOS Bonheur », sans conteste l'un des Van Hamme les plus aboutis) est devenu en dix ans l'une des références du monde de la BD. Ce qui fait la force de cette collection, vous le retrouverez en lisant ce catalogue imaginaire : des auteurs généreux à la fibre humaniste et des histoires solides, mûres, à leur image. Un rythme de parution exemplaire -41 albums en un peu plus de dix ans- permet également à Aire Libre de compter très peu de déchet. A de rares exceptions en effet, tous les albums parus dans cette collection méritent d'y figurer et de figurer dans votre bibliothèque. Ce catalogue imaginaire vous permettra de compléter l'assortiment d'une pincée de dessins inédits -un par album. Vous y trouverez aussi de belles photos d'auteurs et des biographies qu'il vaut la peine de prendre le temps de lire, car même les auteurs qui reviennent trois ou quatre fois ont toujours droit à un texte différent, original, respectueux de leur oeuvre. Aire Libre a permis à Dupuis de se forger une image positive auprès de la critique, des libraires et du public bédéphile. Pour y arriver, il a fallu que le plus gros éditeur de BD francophone qui inonde le marché de quantité d'albums médiocres (non, je ne citerai pas de nom, mais allez faire un tour dans n'importe quel supermarché, il y a de quoi avoir la nausée) accepte de ne pas faire de chiffres de vente faramineux sur ces albums haut de gamme. Dix ans après, c'est tout bénéfice. Non seulement certains de ces albums atteignent des chiffres de vente très honorables, mais en plus, ils raflent des prix dans tous les festivals. Ce n'est pas par hasard. Et ça méritait bien qu'on s'y attarde dans une catalogue aussi prestigieux que la collection elle-même.

« Expériences », le tome 4 du Chant des Stryges, par Corbeyran et Guérineau. Chez Delcourt.

Vous ne connaissez pas encore le « Chant des Stryges » ? Ne lisez pas cette chronique, allez tout de suite acheter les quatre albums parus, lisez-les, on en reparlera. Vous connaissez déjà la série et vous n'avez pas encore acheté le nouvel album ? Nul n'est parfait, mais que je ne vous y reprenne pas. Que dire encore de cette série phare qui puisse convaincre les derniers irréductibles de passer d'urgence à sa lecture ? Je dirais peut-être que dans ce quatrième tome, Corbeyran a vraiment décidé d'arrêter de diluer son histoire, qu'il nous la sert sur un rythme à faire frémir d'envie n'importe quel réalisateur de films d'action hollywoodien et qu'on en redemande. Les cinq premières pages, muettes, sont un exemple du genre. Les suivantes, suivant l'action principale en même temps que les errances d'un petit chat curieux ne sont pas plus mal, même si elles sont beaucoup plus calmes. Le final est parfait. Et entre tout ça, il y a une sacrée bonne histoire bien servie par un Corbeyran qui surfe à merveille sur la vague de X-File et un Richard Guérineau à qui je ne ferais qu'un reproche : nous avoir « croqué » la tête de Woody Allen en plein milieu d'une histoire qui n'en avait pas besoin. Mais c'est si peu de choses...

« Pin-Up » N°6, par Yann et Berthet. Chez Dargaud.

Sur la couverture, un sticker annonce : « fin du deuxième round, bientôt le cycle de Las Vegas ». Pas à dire, Pin-Up, c'est avant tout une affaire qui roule. Et chez Dargaud, quand ça marche, on fait marcher tant que ça peut. Au point d'un rien effrayer le lecteur parano dans mon genre. Moi, quand on me vend l'album qui suit avant même que j'ai tourné la première page de celui que j'ai entre les mains, je trouve ça louche. Quoi, celui-ci est-il donc si mauvais que Dargaud nous rassure en nous promettant un autre cycle « bientôt » ? A moins que ce ne soit pour rassurer les naïfs qui pensaient qu'en bons pères de famille, Yann et Berthet n'allaient pas tirer sur la ficelle mais bien tirer leur révérence, en arrêtant ici leur série fétiche (-iste ?...). Enfin, quoi qu'il en soit, voici donc la fin du deuxième round, ce qui m'amène à cette première constatation : fallait-il donc trois albums pour nous le raconter ? La réponse me semble couler de source : non. Diluée, étirée, édulcorée, cette suite au cycle initial n'en est que l'ombre. Elle n'amène guère de surprises si ce n'est celle, un rien désagréable, de voir Dottie se frotter à une expérience homosexuelle qui, décidément, semble obséder tous les scénaristes en mal de chiffres de vente (Dufaux d'abord, Van Hamme plus récemment, et maintenant Yann... mais qu'est-ce qu'ils ont tous !) Heureusement, non seulement la parenthèse est vite refermée mais en plus elle est traitée avec une certaine pudeur, juste pour faire fantasmer les mecs en mal d'héroïnes bisexuelles et de caresses à la Bilitis. Yann sait ce qu'il fait. Berthet aussi, d'ailleurs. Pin-Up se vend sous toutes les formes : habillée en album, moins habillée en sérigraphie, glamour en figurines de plomb, rétro en affiches ou sur les bouteilles d'armagnac, j'en passe et des moins belles. Les produits dérivés deviennent plus importants que le personnage et cela se ressent sur l'esprit de la série, calqué à 100% sur l'attente d'un public qui en redemande. Pourtant, étant l'heureux possesseur d'un tirage de tête de deux des albums de cette série (non, vous n'aurez pas mon adresse. D'ailleurs, je n'ai que ceux-là, je ne suis pas collectionneur !), je ne cesse pas de m'émerveiller du talent de Berthet. Ses crayonnés sont souvent plus beaux que le résultat publié, même s'il faut lui reconnaître un encrage intelligent et une coloriste tout à fait « dans le ton ». Alors quoi ? On attendrait peut-être un brin de sincérité, quelque chose de plus désintéressé. Mais si ça se trouve, le public ne serait pas d'accord. Car malgré tous les reproches qu'on peut faire aux auteurs, c'est avant tout ceux qui les lisent qui ont fait de Pin-Up ce qu'elle est aujourd'hui : un produit de grande consommation.

PS. Vous aviez des doutes sur l'indépendance d'esprit du chroniqueur de bdparadisio ? Cette chronique devrait les dissiper. Le fait que ce site organise un concours Pin-Up avec albums à la clé ne m'empêche nullement de dire ce que je pense...

« Le feu occulte », tome 4 de Trolls de Troy, par Arleston et Mourier, aux éditions Soleil.

Et voilà, c'est fini. Trolls de Troy ne sera pas une série à rallonge. A moins que l'idée d'un nouveau cycle n'effleure Scotch Arleston. Ce quatrième album vient clore une très jolie série « périphérique » qui a fini par presque voler la vedette à Lanfeust. Sans doute doit-elle beaucoup de son succès à l'humour que Scotch Arleston a su y insuffler et Jean-Louis Mourier y rendre par le dessin. Un humour à qui je reprochais dans une précédente chronique de chasser un peu trop ouvertement sur les terres de René Goscinny. C'est vrai qu'on voyait beaucoup de similitudes entre Astérix et Trolls de Troy. Cette fois, ce n'est plus ni du hasard ni du plagiat ni même une inspiration inconsciente, c'est du pastiche. La case finale en dit long sur l'amour qu'Arleston porte aux personnages de Goscinny, dont certains sont même pastichés dans leur attitude type. Ainsi, on retrouve dans la scène d'ouverture le climat identique à celui des scènes d'empoignade verbale entre César et les tribuns de Rome. Et plus loin, les « esclaves » Trolls rappellent des scènes d'Astérix et Cléopatre. Montré aussi franchement, ce qui paraissait comme un défaut de la cuirasse devient une qualité de l'oeuvre. Oui, Trolls de Troy est une sorte d'hommage à Astérix (en passant, il salue aussi les Schtroumpfs de Peyo, vous le verrez en lisant cet album), mais un hommage qui se laisse lire sans une pointe d'ennui. On sourit souvent, on rit parfois, c'est léger, drôle et fin à la fois, c'est aussi mené sur un train d'enfer, exactement à la manière d'un Astérix. Bref, Goscinny a un fils spirituel. Et Arleston a tout compris.

« Frisco », le tome trois de la série Loranne, par Dieter et Nicaise, dans la collection Grafica des éditions Glénat.

Fin de parcours (ou de cycle, je ne sais pas...) pour Loranne, cette jeune Américaine aux mauvaises fréquentations entraînée dans une histoire pas très nette par un ancien (?) agent de la CIA, Keith Malone. Deux premiers albums au climat glauque, mystérieux. On sent que Keith ne joue pas franc-jeu, que Loranne n'est pas tout-à-fait dupe, que Dusty, son frère drogué, est la clé de l'histoire. Et puis dans ce troisième volet, le dénouement. On est tenté de se dire : tout ça pour ça ? En effet, le « grand complot » auquel Keith mêle malgré eux Dusty et Loranne est pour le moins éculé. C'était pas la peine de nous faire de grands airs de conspirateurs et des conversations mystère si c'était pour déboucher sur une action aussi plate. Enfin, heureusement, ce qui sauve tout, c'est la fin. Et là, j'ai retrouvé ce bon vieux Dieter qui aime soigner les fins de ses histoires et surprendre ses lecteurs en égratignant ses héros au moment où l'on ne s'y attend plus. Le retournement de situation du procès de Loranne est en effet totalement inattendu. Heureusement. Il sauve carrément l'album. Le dessin de Viviane Nicaise, lisse comme un parquet ciré, ne jette pas de lumière très particulière sur cette « saga » dont on retiendra surtout les caractères des personnages et le climat oppressant bien développé par Dieter au fil des albums. Un produit honnête mais qui ne fait pas vibrer.

« La clé du mystère, tome 1 : Meurtre sous la Manche », par Sikorski et Lapière. Chez Dupuis.

Dans la bibliographie de Denis Lapière se trouvent des albums inégaux. Certains sont de petits bijoux (j'ai une tendresse toute particulière pour la série Ludo, par exemple, ou pour Alice et Léopold, mais je pense aussi au « Bar du vieux Français », dessiné par Stassen). D'autres semblent ne pas tenir leurs promesses. Celui-ci fait partie de la seconde catégorie. Cruelle déception, en effet, que ce faux suspense dessiné par le « vieux » comparse, Alain Sikorski, avec qui Denis Lapière avait repris les aventures de Tif et Tondu au début des années 90. Evidemment, quand une série s'appelle « La clé du mystère » et affiche en couverture « Démasquez vous-même l'assassin ! Les dernières pages scellées renferment la solution », on place la barre très haut. On s'attend à une enquête démoniaque, un scénario à embrouilles truffé de fausses pistes passionnantes. Il n'en est rien. Et pour ne pas découvrir la supercherie finale, il faut faire preuve d'une bonne dose de mauvaise volonté, tant cette astuce est cousue de fil blanc et usée jusqu'à la corde par des décennies de mauvais scénarios ! Autant dire que la copie est à revoir, le dessin dépourvu de personnalité de Sikorski ne sauvant pas l'ensemble du naufrage. Seul le personnage de Kéli est vraiment attachant. Mais ce duo d'enquêteurs aux méthodes et aux moeurs antagonistes fait lui aussi déjà vu. Pas facile de prendre la relève de Tillieux. Beaucoup s'y sont déjà essayés. Denis Lapière n'est pas le premier à s'y casser les dents. Pourtant, on sent bien qu'il a tenté de refaire du Gil Jourdan à la sauce d'aujourd'hui. Je préfère relire l'original...

« Elise », tome 5 de la série « Le prince de la nuit », par Yves Swolfs. Dans la collection Grafica des éditions Glénat.

Il y a tout juste vingt ans, le jeune Yves Swolfs créait son premier héros, Durango. Il allait trouver son public grâce à cette variation sur le thème du western spaghetti dont les meilleurs albums resteront ceux de la trilogie « Amos - Sierra sauvage - Le destin d'un desperado ». Et puis, en 95, après avoir créé Dampierre (dont il a très vite cédé le dessin à Legein), Swolfs surprenait tout le monde en se lançant dans une grande fresque à travers les âges sur les traces des vampires. « Le prince de la nuit » était né. A l'enthousiasme des uns répondait le rejet des autres, trouvant, souvent à juste titre, que Swolfs véhiculait dans cette histoire des tombereaux entiers de lieux communs. Avec ce cinquième volume en cinq ans (le rythme ne faiblit pas malgré les nouvelles collaborations avec Marc-Rénier et Griffo), Yves Swolfs reste fidèle à son idée de base. Face à face, encore : Kergan, l'infâme, le malfaisant vampire aux pouvoirs terrifiants et Vincent, dernier des Rougemont à tenter de contrer cette bête immonde. Ca sent l'album de transition, les gousses d'ail à deux sous et autres recettes de cuisine. Tous les personnages se ressemblent (on peut remplacer certains des protagonistes du Prince de la nuit par leurs frères jumeaux déjà vus dans Durango, mais ce n'est pas nouveau) sauf un, le commissaire de police Durieux, qui a la gueule de Jean Gabin. Pourquoi cette caricature dans une BD qui n'a rien d'un hommage au cinéma français ? Clin d'oeil au rôle de flic proche de la retraite qui décide d'aller jusqu'au bout, malgré les interdictions de ses supérieurs ? Sans doute. Mais voir la tronche de Gabin dans une histoire de vampires en BD, c'est un peu comme si on vous faisait un Jérôme Bloche avec la gueule d'Humphrey Bogart ! Non seulement, ça n'apporte rien, mais en plus, ça décrédibilise l'ensemble puisque ça déforce l'effet fantastique. Bref, je ne peux pas dire que cet album m'ait enthousiasmé. En tout cas, quand on le lit juste après avoir avalé les deux tomes de "Je suis un vampire" de Trillo et Risso, il n'y a pas l'ombre d'un doute...

« Le sacrifice du fou », tome 2 de la série « Tower », par Goethals et Ange, chez Vents d'Ouest.

Deuxième volume de ce captivant thriller scénarisé par Ange (Bloodline et Némesis, entre autres) et dessiné par Sébastien Goethals. Tout le monde veut la peau de Tom Cleggan : le Mi-5, son ancien chef à l'IRA, le détective privé envoyé d'Italie par les parents de sa compagne... pas besoin de vous faire un dessin, avec autant d'ennemis, « Tower » a tout du héros de BD parfait. Personnellement, je ne raffole ni du graphisme parfois torturé de Goethals ni des cloueurs de Delphine Rieu (la première page, par exemple, n'est pas un appel à la lecture), mais j'arrive à passer outre sans trop de problème car l'adaptation de l'histoire imaginée par Hubert Chardot ne manque pas de qualités. On trouve tous les ingrédients auxquels on pouvait s'attendre dans une histoire s'attachant à raconter comment un tueur de l'IRA qui a décroché peut être rattrapé par son passé : Mi-5, SAS, vrais activistes et terroristes sans scrupules, repentis, indics, délateurs, fantômes du passé et secrets trop longtemps gardés. Et malgré le fait que ces ingrédients soient pour le moins attendus, ça fonctionne parfaitement, le scénario est mené tambour battant autour d'un Tom Cleggan tantôt attachant tantôt froid comme un roulement à bille dont l'obsession est de tuer ceux qui veulent lui nuire avant qu'ils ne le retrouvent. Le procédé est classique mais l'intrigue est suffisamment solide pour qu'on se laisse faire avec plaisir. Les éditions Vents d'Ouest ne s'y sont pas trompé. Elles ont décidé de remettre le premier album en vente avec une nouvelle couverture, jugée plus alléchante. Tout indique que cette série deviendra très vite un succès de librairie. D'autant que, jusqu'ici, on a pas l'impression qu'Ange tire son histoire en longueur. Pourvu que ça dure.

« Le Chasch », volume Un du Cycle de Tschaï, par Morvan et Li-An, dans la collection Néopolis, chez Guy Delcourt.

C'est l'un des cycles les plus connus de la littérature de science-fiction des années soixante. On le doit à Jack Vance, auteur d'une quarantaine de romans qui fleurent bon le Fantasy et le Space Opera. L'adapter en BD semblait une évidence. De là à réussir l'adaptation en question... il y avait une marge. Et pourtant, cette marge, les auteurs de ce premier album ne l'ont pas transformée en écueil. Le scénario de Jean-David Morvan et le dessin de Li-An (rappelez-vous, l'auteur de « Planète lointaine », dans la collection Encrages) se rencontrent à merveille sur ce projet. La lecture de ce premier tome ne sent pas l'adaptation de roman. On jurerait qu'il s'agit d'une BD originale. Les personnages sont bien campés, surtout le héros, Adam Reith, le Terrien « égaré » sur Tschaï, toujours sûr de son bon droit. On regrettera simplement l'étroitesse de certaines pages, un peu comme si, devant la profusion d'éléments à livrer, les auteurs n'avaient par moment pas eu d'autre choix que celui de réduire la taille des cases. Chaque roman se déclinera en deux tomes, soit 92 pages, ce qui nous fera un total de pas loin de quatre cents pages (et huit tomes) pour raconter l'ensemble du cycle. On verra donc sur la longueur si les auteurs arrivent à conserver cette fraîcheur et cette maîtrise d'un univers réapproprié. Signalons que les couleurs de Scarlett Smulkowski (la coloriste de « Miss ») sont très réussies et privilégient des teintes sombres où l'on retrouve la prédominance du vert olive et du brun. Inutile de dire que l'intrigue elle-même est passionnante : le cycle de Tschaï s'est vendu à plus de 500.000 exemplaires !